CINE CON CRISTAL: Martes de Cine Español en la red

domingo, 26 de diciembre de 2010

La vida secreta de las palabras: La vida secreta de las imágenes (crítica)

Sergio Zapata

Todo secreto se va desocultando a través de las palabras y, a su vez, las palabras poseen secretos que se van desocultando en acciones performativas, siendo ésta una manera de adquirir forma, como las imágenes que se hacen y rehacen a partir de sus secretos. Estas imágenes devienen contenidos (poseedores de promesas, esperanzas, horror y vergüenza) que edifican las nuevas formas que, entre los tantos desafíos que tienen, está el de preservar la memoria y, de alguna manera, la fragilidad humana.

La vida secreta de las palabras nos muestra a Hanna, una muchacha que vive en algún lugar de Irlanda, se lava las manos sin cesar, efectúa llamadas para poder llorar, come sistemáticamente pollo, arroz y media manzana, estudió enfermería, trabaja en una empresa textilera donde nunca pidió ni un día de vacación en cuatro años, tiene un acento extraño, carga una enorme vergüenza y además es sorda. Una casualidad, en los días de sus nuevas vacaciones, le permite llegar a una plataforma petrolera en medio del océano donde sólo habitan seis personas que lo único que quieren, aparentemente, es que los dejen en paz. Entre ellos Josef, el paciente que debe atender Hanna: él quedó temporalmente ciego, tras intentar salvar a un colega que intentó suicidarse durante un incendio en la plataforma.

Matar el tiempo antes de que él te mate a ti

La primera parte de la película se desarrolla en la plataforma, teniendo como gélido paisaje de fondo las olas del mar y la bruma. La constante incomunicación entre los personajes es el elemento hacia donde apunta la mirada de Coixet. Esta mirada, al incidir en la incomunicación, terminará desnudando las emociones de los personajes, a medida que los secretos se van develando, sólo por la palabra: Hanna, sorda, que narra a su interlocutor ciego las pesadillas que vive a consecuencia de su horroroso pasado; y Josef que no puede verla y no deja de hablar buscando matar el tiempo.

Es el tiempo lo que se busca transgredir, un tiempo pasado que dejó cicatrices en la piel y en la memoria, un tiempo que retumba en la conciencia.

En la segunda parte de la película, las heridas y el pasado dejan de ser insinuaciones, ya no son vestigios de un tiempo, sino que cobran existencia. Tanto es así que la memoria, y con eso cierra Coixet su alegato sobre el secreto de las imágenes, nos ofrece un perturbador diálogo sobre la buena memoria europea y su responsabilidad sobre cierto pasado reciente, vergonzoso y vergonzante, a tal extremo que las imágenes (como las palabras) contienen secretos que deben ser revelados para poder no sólo comunicar sino sobrevivir.

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lunes, 20 de diciembre de 2010

Cesar y Zaín: dos mundos (crítica)

Sebastian Morales

Bajo la provocadora tesis de un nuevo orden mundial en el cual se divide el mundo entre los países cristianos y musulmanes –separados no sólo por un muro simbólico, sino también por un nuevo muro de la infamia que se alza entre las “fronteras” de Israel y de Palestina– nace la necesidad del director español Larry Levene de comprender ese mundo que está tan cerca pero al mismo tiempo tan lejos de las propias fronteras españolas. En su film César y Zain, Levene , a partir de esta constatación, decide hacer una especie de intercambio de familias entre dos jóvenes universitarios , uno proveniente del mundo Islam y el otro del mundo occidental.

La necesidad de hacer este intercambio viene sustentada por la segunda tesis que nos propone el autor: comprender lo que está más allá de cada lado del muro es el primer paso para poder quebrarlo. Se hace aquí imprescindible una reflexión sobre la globalización: si bien es ésta la culpable del resurgimiento de reivindicaciones culturales fundamentalistas y, por tanto, uno de los elementos que componen este nuevo orden mundial, Levene constata que un encuentro de este estilo en un mundo no globalizado sería irrealizable. Tenemos pues, las dos caras de la moneda: en un primer momento la globalización amenaza con destruir toda diversidad cultural en el mundo, pero al mismo tiempo posibilita encuentros “multiculturales”. Enorme paradoja del mundo post-moderno.

La tercera tesis que nos propone Levene en un estilo cercano al reportaje o al menos al documental antropológico, es la constatación de que tal vez las diferencias religiosas que han dividido el mundo en dos partes casi inconciliables esconden en los inicios del siglo XXI simplemente anhelos económicos: el islam, la imagen del mal para el mundo moderno, es suficiente excusa para que los países modernos se lancen en una verdadera guerra santa: los medios crean “el mal “y posibilitan al mismo tiempo el éxito del terrorismo (no por nada el film empieza con imágenes del S-11 y el ataque a los trenes de Madrid).

El film busca quebrar ese muro imaginario para encontrar puntos en común, pequeños acuerdos que sustenten una cuarta tesis que se plantea en la película: las divisiones son efectivamente imaginarias. Así pues, Levene decide usar un montaje paralelo, con la intencionalidad de comparar las experiencias de las dos personas, para así poder comprender de qué se trata realmente este abismo, para llegar a la simple y llana conclusión que si bien son mundos diferentes, es posible encontrar lineamientos comunes: “nada de lo que es humano me es ajeno”, diría Vico.

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martes, 14 de diciembre de 2010

Martes de Cine Español: Más allá de la alambrada

Continuando con el último ciclo del año de los Martes de Cine Español, se proyecta hoy el documental Más allá de la alambrada, un acercamiento a 13 sobrevivientes del campo de exterminio nazi de Mauthausen, dirigido por Pau Vergara.

La película de 83 minutos recoge las historias de algunos de los republicanos españoles deportados al único campo de categoría III de la Segunda Guerra Mundial, destinado a presos políticos, donde murieron cerca de 5000 españoles.

El film de Vergara da a conocer el paso de los republicanos por el ejército francés después de la Guerra Civil, y su posterior captura por parte de las tropas alemanas durante la ocupación nazi.

Cesar y Zain en el Centro AECID

Hoy, en el Centro AECID de Santa Cruz se proyecta, dentro del ciclo, el documental Cesar y Zain, dirigido por Larry Levene. En el film, dos jóvenes, de dos entornos geográficos, culturales y religiosos muy diferentes, España e India, juegan al ajedrez y entran en contacto vía Internet.

¿Dónde y a qué hora se proyecta?

Cochabamba: Casa de la Cultura, Gobierno Municipal de Cochabamba (19:00).

Santa Cruz: Centro de Formación Iberocamericana – AECID (20:00); Centro Cultural San Isidro, Plan 3000 (19:00); Casa Municipal de Cultura, Montero (19:00).

Chuquisaca: Archivo y Bibliotecas Nacionales de Bolivia, Sucre (19:00); SIPAS TAMBO, Red de la Diversidad, Sucre (19:00).

Pando: Casa de la Cultura, Alcaldia Municipal de Cobija (19:00).

Beni: Universidad José Ballivián, Trinidad (19:00).

Oruro: Centro Cultural Muro Tambo, Séptimo Ojo (Aldana, Soria Galvarro y La Plata. Sobre el muro) (19:30)

Potosí: Colegio de Arquitectos de Potosí (18:30); Centro Municipal de la Alcaldía Municipal de Tupiza (19:00).

Tarija: CBA Centro Boliviano Americano (19:00).

El ingreso es libre en todas las salas.

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domingo, 12 de diciembre de 2010

Sobrevivir: Más allá de la alambrada (crítica)

Mary Carmen Molina Ergueta

"No sabíamos a donde habíamos llegado". En 1942, Ángeles Martínez fue deportada al campo de exterminio de Mauthausen, que junto a Gusen I fueron los únicos campos nazis de grado III, los más duros, destinados para los enemigos políticos incorregibles del Reich. Ángeles era parte de las juventudes comunistas francesas, que en 1940 comenzaron la resistencia en contra de la ocupación. Ella es una de las sobrevivientes de Mauthausen que el documental de Pau Vergara Más allá de la alambrada retrata, en un acercamiento histórico riguroso y conmovedor al horror de la guerra, el hecho, el peso y las culpas de la sobrevivencia.

El documental recoge las voces de 13 sobrevivientes de Mauthausen, en su mayoría republicanos españoles transferidos al campo nazi desde campos de prisioneros de guerra, exiliados que, después de la Guerra Civil, habían sido incorporados al ejercito francés y que en la invasión fueron capturados por tropas alemanas. "Éramos rojos y nuestra muerte no interesaba a nadie", dice el sobreviviente Marcelino Bilbao. De hecho, cuando los alemanes capturaron a los primeros republicanos y demandaron a Franco una explicación sobre el destino de estos prisioneros, el Generalísimo replicó que ellos no eran españoles.

¿Es posible contar el horror? ¿Hasta dónde la experiencia es inteligible? ¿Hasta dónde se puede decir? En tanto documento, la imagen se constituye como el espacio donde se hace presente el horror del pasado, la memoria a través de la que se evidencia que el presente es producto de lo que ocurrió. Las trece historias del documental presentan un gesto común en su carácter de sobrevivencia: en el pasado se ha perdido algo irrevocablemente, se ha perdido cierto sentido fundamental de la humanidad. "A mi me han me sacaron la personalidad, y dentro de esta carcasa metieron un montón de pesimismo y de incredulidad de la vida que no me ha dejado vivir ni allí ni afuera", dice Luis Estañ en el film.

Si decir la experiencia constituye la instauración de un duelo, el testimonio del sobreviviente se hace y deshace en una continua tensión entre la posibilidad de recordar y el deber de no olvidar. "Tengo muy pocos recuerdos de mi niñez, tal vez porque he tenido un tipo de amnesia", confiesa Sigfried Mier, el único sobreviviente judío del film que, después de haber presenciado la muerte de su madre en Auschwitz, es trasladado a Mauthausen, donde conoce a Saturnino Navazo, un español que se hizo cargo de él hasta después de la liberación. Recordar y decir no sólo significan el paso necesario para conservar el pasado en tanto pasado, sino que implican en el documental la posibilidad de restitución de lo humano: la paradoja de poder decir por los más de 7000 republicanos españoles que no sobrevivieron.

Más allá de la alambrada es conciente de la imposibilidad y poco pertinencia de tratar de homogeneizar los testimonios, de eludir la radical diferencia de la experiencia de cada uno de los sobrevivientes: la soledad es, tal vez, el elemento a través del que es posible conjugar un reconocimiento que, más allá de ser histórico, se torna ético.

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lunes, 6 de diciembre de 2010

El documental Tapologo inicia los Martes de Cine Español de diciembre

El ciclo "Para gustos, colores…" de los Martes de Cine Español 2010 llega a su fin este mes, con la exhibicion de una selección de tres documentales y un largometraje de ficción que presentan una serie de historias en escenarios tan distintos como Sudáfrica, la India o Guatemala.

Las proyecciones inician mañana 7, con el cortometraje del 2004 Una mujer para Ibu de Ana Rodríguez Rosell. Este documental refleja una historia que transcurre en Senegal, donde en la víspera de su boda con su segunda mujer, Ibu deberá conseguir la aceptación de ese matrimonio por parte de Vivian, su primera mujer.

Despues de este corto, se proyectará el largometraje Tapologo (2008), dirigido por Gabriela y Sally Gutiérrez Dewar. En Freedom Park, un asentamiento de chabolas en Sudáfrica, una red de mujeres infectadas de VIH ponen en marcha el Proyecto Tapologo. Aprenden a ser enfermeras de su comunidad transformando la miseria y la degradación en resistencia y optimismo. El obispo Kevin Dowling las apoya y se cuestiona qué sentido tiene la doctrina moral sexual de la Iglesia Católica en esta situación.

Los dias 14 y 21 de diciembre se exhibiran los documentales Más allá de la alambrada de Pau Vergara y César y Zaín de Larry Levene, respectivamente. Finalmente, concluyendo el ciclo 2010, se volvera a exhibir el film de Isabel Coixet La vida secreta de las palabras.

Martes de Cine Español 2010

La Embajada de España en Bolivia, como cada año, cumple una vez más en presentar al público boliviano destacadas películas españolas que no logran llegar a nuestro medio por de forma comercial. Ello ha motivado a desarrollar el Ciclo Martes de Cine Español desde hace varios años, logrando que miles de personas sean parte de este evento cultural que ha logrado establecerse como un punto de encuentro a través del cine.

Han sido más de 20 espacios en las diferentes ciudades de Bolivia que cobijaron en esta versión el Ciclo de Martes de Cine Español, con proyecciones gratuitas.

Este año la muestra ha sido divida en Ciclos y Colores, cada uno con una temática diferente y con películas de grandes directores de cine de España. En el caso de Bolivia, la Embajada de España gestionó desde los derechos de autor hasta las proyecciones en cada uno de los departamentos y distintas provincias de Bolivia.

¿Dónde y a qué hora se proyecta?

Cochabamba: Casa de la Cultura, Gobierno Municipal de Cochabamba (19:00).

Santa Cruz: Centro de Formación Iberocamericana – AECID (20:00); Centro Cultural San Isidro, Plan 3000 (19:00); Casa Municipal de Cultura, Montero (19:00).

Chuquisaca: Archivo y Bibliotecas Nacionales de Bolivia, Sucre (19:00); SIPAS TAMBO, Red de la Diversidad, Sucre (19:00).

Pando: Casa de la Cultura, Alcaldia Municipal de Cobija (19:00).

Beni: Universidad José Ballivián, Trinidad (19:00).

Oruro: Centro Cultural Muro Tambo, Séptimo Ojo (Aldana, Soria Galvarro y La Plata. Sobre el muro) (19:30)

Potosí: Colegio de Arquitectos de Potosí (18:30); Centro Municipal de la Alcaldía Municipal de Tupiza (19:00).

Tarija: CBA Centro Boliviano Americano (19:00).

El ingreso es libre en todas las salas.

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domingo, 5 de diciembre de 2010

Sobre Tapólogo de Gabriela y Sally Gutiérrez Dewar (critica)

Pablo Lavayén

Ciertas reflexiones deben anteceder a una reseña sobre los films documentales. Sucede que se puede argumentar la autonomía del valor estético de un film de ficción pero en el caso documental la cosa se complica. Específicamente hablamos del film Tapólogo de Gabriela y Sally Gutiérrez Dewar. Tomemos un ejemplo cercano. El año pasado el movimiento “Mujeres Creando” presentó un documental sobre el maltrato de mujeres. No se puede dejar de decir que la camarógrafa no pudo ni leer el manual de su propia cámara. ¿Eso es tan importante? En este caso sucedió que no, pues a pesar de la pedestre camarografía, se pudo trazar la vida de dichas mujeres de manera intensa y casi dolorosa. En realidad habría que pensar en la capacidad performativa del film, es decir, su potencial de transformar la realidad. El documental es siempre una interpelación al espectador. Y como todo, debe ser pensado desde aquello de específico que tiene.

En el caso de Tapólogo se narra la situación de las mujeres enfermas de VIH en África. A primera vista podemos ver que la calidad de la propuesta fue cuidada muy detalladamente. Veamos cómo es que funciona este documental. A grandes términos, el trabajo visual se divide en dos: la contextualización y el rostro humano. Comienza con la visita a una mujer en estado casi terminal. La visitadora la alimenta. Y como en el famoso cuadro de Van Gogh, los espectadores podemos saber mucho sobre ella al observar su habitación. Entonces, ya sabemos por donde transcurre el resto. Luego están los testimonios y las escenas de la vida en la villa. Esto último es esencial pues ya no sólo sabemos acerca de una persona sino de la comunidad entera: y luego, de la condición humana.

Lo más recurrente: las escenas de testimonios. La condición en general del rostro siempre debe ser pensada como algo separado al cuerpo. Hasta casi podríamos decir que no importa demasiado lo dicho, sino lo gestual, los movimientos del rostro. En cierto momento esto se hace evidente en el film, pues al conversar sobre las mujeres que ofrecen voluntariamente sus cuidados, tan sólo se las expone una a una filmando el rostro y la luminosidad de su valentía resulta demasiado evidente. Y sin embargo, habría que decir que es complicado salir de estos dos elementos pues la estructura del documental (a pesar de dividirse en dos capítulos) resulta casi caótica y confusa. Si bien detenerse en un rostro hace mucho, no tanto así enfocar una botella de cerveza cuando ya antes supimos el problema del alcohol en la comunidad. Entonces, el problema de la puesta en escena es que se conforma con describir una situación desde una visión muy general. Y ahora sí podría decirse la importante de la narratividad en los documentales, donde no resulta suficiente la visión panorámica. De ahí que Tapólogo pierde un tanto su capacidad de comprender lo que filma. Si se habrá de poner en escena algo tan urgente, terrible y desesperanzador, el cineasta debe primero sufrir lo que ve y después recién proyectarlo. Lo otro ya se ha hecho hasta el hartazgo.

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martes, 30 de noviembre de 2010

Martes de Cine Español exhibe film de Carlos Saura

Culminando el ciclo de Noviembre de los Martes de Cine Español en Bolivia, se exhibe hoy la película de Carlos Saura Mamá cumple cien años, cinta de 1979 con guión co-escrito por Rafael Azcona.

El film, que continua la serie dirigida por Saura iniciada con Ana y los lobos en 1973, se desarrolla en torno a una anciana que va a cumplir cien años (Rafaela Aparicio) y reúne a toda su familia y a la institutriz Ana, en el viejo caserón. Ana llega al lugar y encuentra a los distintos miembros organizando la fiesta, en un encuentro coral en el que reviven el pasado, con todos sus conflictos, tensiones e interrelaciones. Sobre ellos pesa la estructura familiar.

La película, que presenta elementos fantasticos en su relato, fue nominada por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood al Premio Oscar a la mejor película extranjera. Fue Premio Especial del Jurado en el Festival de Cine de San Sebastián en 1979.

¿Dónde y a qué hora se proyecta?

Cochabamba: Casa de la Cultura, Gobierno Municipal de Cochabamba (19:00).

Santa Cruz: Centro de Formación Iberocamericana – AECID (20:00); Centro Cultural San Isidro, Plan 3000 (19:00); Casa Municipal de Cultura, Montero (19:00).

Chuquisaca: Archivo y Bibliotecas Nacionales de Bolivia, Sucre (19:00); SIPAS TAMBO, Red de la Diversidad, Sucre (19:00).

Pando: Casa de la Cultura, Alcaldia Municipal de Cobija (19:00).

Beni: Universidad José Ballivián, Trinidad (19:00).

Oruro: Centro Cultural Muro Tambo, Séptimo Ojo (Aldana, Soria Galvarro y La Plata. Sobre el muro) (19:30)

Potosí: Colegio de Arquitectos de Potosí (18:30); Centro Municipal de la Alcaldía Municipal de Tupiza (19:00).

Tarija: CBA Centro Boliviano Americano (19:00).

El ingreso es libre en todas las salas.

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lunes, 29 de noviembre de 2010

Mamá cumple 100 años (crítica)

Pedro Brusiloff

Mamá cumple 100 años de Carlos Saura es una realización que alude claramente al período franquista en España y donde, a través de la figura materna y de la vieja casa que ella habita, seguramente se pretende esbozar la metáfora de un pasado que pervive y que se debate entre los intereses contradictorios de los hijos de la familia, que finalmente quedan divididos entre aquellos que quieren matar a la madre y aquellos que desean su salvación. La película pretende narrar el momento en que los proyectos truncos del pasado se entrecruzan con la urgencia de asumir posición frente a un futuro incierto.

Pese a ello, personalmente no puedo dejar de pensar que la película es única por su histrionismo; la actuación de los personajes, especialmente de la madre, me parece sencillamente chocante por su exageración. Pero este histrionismo no sólo tendría que ver con el desenvolvimiento de los personajes, sino también con un uso completamente artificial de lo fantástico.

Se pretende subvertir la tiranía de la realidad mediante un simulacro que, al parecer, no dice nada de un hacer concreto; que no está relacionado a ningún gesto específico y que hace de la ruptura con los parámetros usuales de la realidad una mera fórmula narrativa carente de cualquier sentido propio. Creo que esta ausencia de gestos propios es la causa de que, pese a todos los fuegos de artificio que se despliegan en el film, no haya podido menos que sentir un profundo aburrimiento al verla. El amable lector de esta desdeñosa reseña también comprenderá la fatiga que me provoca escribirla; y es que la película de Saura no despierta ninguna pasión, ni siquiera la indignación, sino simplemente una franca disposición al olvido.

Para resumir, sólo puedo decir que esta película de Saura es, a mi entender, la muestra de un cine que al pretender asumir una posición frente a la complejidad de cierta experiencia histórica, decae en el simulacro y el uso formulaico de técnicas narrativas que han perdido todo su poder cuestionador.

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martes, 23 de noviembre de 2010

Martes de Cine Español presenta film de Luis Garcia Berlanga

El ciclo Amarillo del Martes de Cine Español presenta hoy el clásico film La escopeta nacional (1977), dirigido por el recientemente fallecido Luis García Berlanga, uno de los directores y guionistas más prolíficos del cine español y, junto a Juan Antonio Bardem, renovador del cine de posguerra de ese país.

La escopeta nacional es un ácido retrato de la clase empresarial y política del tardofranquismo. Entre los años 1977 y 1982, Berlanga rueda la trilogía de la familia Leguineche. Primero fue La escopeta nacional, seguida de Patrimonio nacional, para terminar con Nacional III, películas que gozaron de muy buena aceptación por parte de la crítica y público.

El cine de García Berlanga se caracteriza por su mordaz ironía y sus ácidas sátiras sobre diferentes situaciones sociales y políticas. En la etapa de la dictadura franquista muchos de sus films evadieron la censura de la época con situaciones y diálogos no excesivamente explícitos pero de inteligente contra-lectura.

El director recibió numerosos premios, entre ellos, el Premio Nacional de Cinematografia, la Medalla de Oro de las Bellas Artes y el Premio Principe de Asturias de las Artes. Por su película Todos a la cárcel de 1993 ganó el Goya al Mejor Director.

Garcia Berlanga falleció en su casa de Madrid el pasado 13 de noviembre a los 89 años, por causas naturales.

¿Dónde y a qué hora se proyecta?

Cochabamba: Casa de la Cultura, Gobierno Municipal de Cochabamba (19:00).

Santa Cruz: Centro de Formación Iberocamericana – AECID (20:00); Centro Cultural San Isidro, Plan 3000 (19:00); Casa Municipal de Cultura, Montero (19:00).

Chuquisaca: Archivo y Bibliotecas Nacionales de Bolivia, Sucre (19:00); SIPAS TAMBO, Red de la Diversidad, Sucre (19:00).

Pando: Casa de la Cultura, Alcaldia Municipal de Cobija (19:00).

Beni: Universidad José Ballivián, Trinidad (19:00).

Oruro: Centro Cultural Muro Tambo, Séptimo Ojo (Aldana, Soria Galvarro y La Plata. Sobre el muro) (19:30)

Potosí: Colegio de Arquitectos de Potosí (18:30); Centro Municipal de la Alcaldía Municipal de Tupiza (19:00).

Tarija: CBA Centro Boliviano Americano (19:00).

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lunes, 22 de noviembre de 2010

La escopeta nacional y el legado de Buñuel (crítica)

Luis Velasco

El cine español tiene dentro de su historia un estilo que se ha convertido en casi una marca registrada: el humor negro y la sátira. Si bien la mayor parte de sus películas las rodó fuera de España, el cineasta español que con mayor maestría ha sabido manejar esta narrativa fue sin duda Luis Buñuel, siempre cuestionando las tradiciones burguesas y los valores cristianos. El director de La Escopeta Nacional, el recientemente fallecido Luis García Berlanga, se adentra en esta temática con una película que pone en evidencia una clase que ya no se encuentra en decadencia, sino que ha caído por completo en costumbres de antaño, que ahora (situándonos en el contexto de la historia narrada en la película) dentro de una sociedad transformada totalmente, parecen ser nada más que hábitos ridículos.

Una reunión de cacería será el pretexto perfecto para reunir a algunas personas de buen nombre y de importancia dentro de la política y del clero. En este de por sí ya engorroso grupo, viene a caer un empresario catalán cuyo único interés es el vender porteros electrónicos, un claro ejemplo de la mentalidad progresista y tecnócrata que empieza a invadir la Europa de la época. Sin embargo, este personaje parece ignorar que si bien los encuentros de cacería fueron creados para hablar de negocios, estos son fruto de charlas muy privadas y lo más importante es guardar las apariencias. Jaume (o Jaime) es el empresario de porteros que financia la cacería, pero desde que llega se topa con que todos piensan que son los marqueses dueños de la finca los que la están haciendo, incluidos los mismos marqueses, por lo que tendrá que tragarse su orgullo y esperar que todo salga bien, cuando realmente todo comienza a ir de mal en peor. La misma naturaleza parece presentir al inicio de la película que algo fuera de lo común está pasando.

Da gusto encontrarse con una película que si bien es de comedia, es muy inteligente y aguda en su crítica, que a pesar de tener 3 décadas es muy refrescante en un momento cuando parece que el hacer comedia significa darse las licencias que a uno le plazca, cuando en realidad eso no es cierto. La narrativa hace recuerdo a clásicos de Buñuel como El Discreto Encanto de la Burguesía, pues ridiculiza a la clase alta, pero no desde una mirada externa, sino haciendo uso de su propio contexto con un personaje que es también parte de ellos y ahí la genialidad del director. Tiene una fotografía impecable aún cuando la iluminación como tal resulta un tanto plana pues el manejo de cámara es como una danza donde cada movimiento revela algo y al igual que el relato en su integridad, tienen un inicio, un desarrollo y un fin muy precisos, algo que también hace mucho recuerdo a obras del Maestro ruso Andrei Tarkovsky.

Berlanga fue sin duda un cineasta con una visión muy aguda de su realidad, pero no sólo eso, sino también alguien muy conciente de las posibilidades de su arte, y eso lo sitúa dentro del selecto grupo de los Grandes del Cine. No importa que haya sido ya mayor, es una pena que se haya ido.

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martes, 16 de noviembre de 2010

Martes de Cine Español: Barcelona (un mapa) de Ventura Pons

El ciclo Amarillo de los Martes de Cine Español de noviembre presenta hoy la película Barcelona (un mapa), del director catalán Ventura Pons, quien llega a La Paz el próximo 20 de noviembre en el marco del 11° Festival de Cine Europeo en Bolivia.

Basado en la obra Barcelona, mapa de sombras de Lluïsa Cunillé, el film se acerca a los distintos personajes que habitan un piso el Ensanche de Barcelona. Un matrimonio de ancianos decide realquilar su propiedad, acogiendo al hermano de la mujer, a una profesora de francés, a un joven vigilante de seguridad y a una sudamericana embarazada. Los seis comparten su soledad, pero también sus particulares formas de concebir el amor y el sexo. Cuando el anciano, antiguo portero de la ópera del Liceo y aficionado al travestismo, se da cuenta de que le queda poco tiempo de vida, les pide a todos que dejen la casa para disfrutar de su final.

Es usual en la filmografía de Pons situar sus historias en Barcelona, ciudad en la que no sólo ha desarrollado una carrera con 18 largometrajes dirigidos hasta la fecha, sino en la que ha trabajado por una década en el teatro. El director catalán ha sido reconocido en los festivales internacionales más importantes, como Cannes, donde estrenó su ópera prima Ocaña, retrato intermitente, o la Berlinale, a la que asistió por cinco años consecutivos.

Pons es uno de los invitados de honor del Festival de Cine Europeo 2010 y presentará A la deriva, su más reciente producción, el día lunes 22 de noviembre a horas 19:15 en la Cinemateca Boliviana de La Paz. Después de la proyección del film, el público tendrá la oportunidad de participar de un coloquio con el director. Mientras tanto, el público de todo el país puede disfrutar de una de sus películas más reconocidas: Barcelona (un mapa).

¿Dónde y a qué hora se proyecta?

La Paz: Fundación Cinemateca Boliviana (19:30); Escuela Municipal de El Alto (Ex Alcaldía Quemada), Ceja de El Alto (19:00); COMPA. Teatro Trono (19:00); Alcaldía Municipal de Coroico (19:00); Alcaldía Municipal de Viacha (19:00).

Cochabamba: Casa de la Cultura, Gobierno Municipal de Cochabamba (19:00).

Santa Cruz: Centro de Formación Iberocamericana – AECID (20:00); Centro Cultural San Isidro, Plan 3000 (19:00); Casa Municipal de Cultura, Montero (19:00).

Chuquisaca: Archivo y Bibliotecas Nacionales de Bolivia, Sucre (19:00); SIPAS TAMBO, Red de la Diversidad, Sucre (19:00).

Pando: Casa de la Cultura, Alcaldia Municipal de Cobija (19:00).

Beni: Universidad José Ballivián, Trinidad (19:00).

Oruro: Centro Cultural Muro Tambo, Séptimo Ojo (Aldana, Soria Galvarro y La Plata. Sobre el muro) (19:30).

Potosí: Colegio de Arquitectos de Potosí (18:30); Centro Municipal de la Alcaldía Municipal de Tupiza (19:00).

Tarija: CBA Centro Boliviano Americano (19:00).

El ingreso es libre en todas las salas.

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Sobre Barcelona (un mapa) de Ventura Pons (critica)

Pablo Lavayen

Fue la incivil imaginación de cierto escritor que concibió la posibilidad de descubrir la silueta de su rostro en el mapa de sus propias ficciones. Lo que resulta incivil en esta imaginación es la posibilidad de ficcionalizar aquello que por sí mismo ya posee el estatus de real: decir lo que ya se ha dicho, una y otra vez. Ya desde el título, el film Barcelona (un mapa) de Ventura Pons comete la soberbia de creerse capaz de decir una totalidad (Barcelona) en tan sólo una hora y aproximademente media hora, en tan sólo una historia; a fin de cuentas, en tan sólo una habitación, un solo ojo. Recordemos, por ejemplo, aquella obra fallida de Fellini sobre Roma.

¿Y acaso una cartografía urbana, tal cual es concebida en el sentido común, no es más que un compendio de exterioridades o, tal como podría sugerir Pons, un panorama irreal (pues no hay nada más irreal que el ojo de un helicoptero)? Y es que la cartografía cinematográfica que Pons traza a propósito de Barcelona irrumpe como la posibilidad de decir la totalidad a través de la intimidad. Lo escandaloso de tal proposición es que no podría conducir más que a la anulación de todo sentido de comunidad: entonces habría que optar por el ascetismo del ermitaño, despedir a nuestros inquilinos y morir solos.

Todo esto es dicho por la obra de Pons y, sin embargo, también lo contrario. Se pone en escena ambas cosas a la vez al apropiarse del diálogo como la principal fuente de narración. Al observar las cinco conversaciones que componen la película podemos imaginarnos a una cierta Barcelona en un cierto tiempo bajo ciertos puntos de vistas. Pero eso es cuestión del espectador, pues lo que en fin importaría en tal puesta en escena es la propia conversación: cada experiencia no tendría más sentido que ser dicha como un recuerdo. Luego, tras una breve e imprudente reflexión, podríamos comprender que no se trata de la Barcelona de los personajes sino la Barcelona concebida por Pons, con toda su enfermedad y esplendor. Tal reflexión resultaría imprudente porque si uno es capaz de llegar a tal afirmación no hay más que un paso para decir que también esto que se dice no es más que la imaginación del que la escribe. Soberbia suposición: imaginar que la ciudad no es más que una imaginación secundaria y que al fin de cuentas lo que hay es el diálogo eterno ante el espejo. Riesgoso decir más.

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lunes, 8 de noviembre de 2010

Martes de Cine Español: Último tren a Lhasa

Continuando el ciclo de noviembre de los Martes de Cine Español, se proyecta hoy el documental Último tren a Lhasa de Alberto Panadero, en torno a la realidad del pueblo tibetano desde que China se anexionó este territorio sobre el que ahora está incrementando su control por medio de un tren que une Pekín con Lhasa, capital del Tibet.

Realizado por un grupo de jóvenes albaceteños, el documental fue rodado con una cámara oculta y busca mostrar cómo el tren que une Pekín con Lhasa, en el Tíbet, está provocando el aumento de la población china con respecto a la tibetana en esa área geográfica. "Queremos mostrar la colonización del Tíbet, una tierra sagrada para los tibetanos, a la que China va a exportar el capitalismo brutal que está viviendo, con lo que ello supone de destrozo ecológico, moral y de los derechos humanos", explica Panadero.

Por razones de fuerza mayor, la película originalmente programada para hoy, Smoking room de JD Wallovits y Roger Gual, no se proyectará.

¿Dónde y a qué hora se proyecta?

La Paz: Fundación Cinemateca Boliviana (19:45); Escuela Municipal de El Alto (Ex Alcaldía Quemada), Ceja de El Alto (19:00); COMPA. Teatro Trono (19:00); Alcaldía Municipal de Coroico (19:00); Alcaldía Municipal de Viacha (19:00).

Cochabamba: Casa de la Cultura, Gobierno Municipal de Cochabamba (19:00).

Santa Cruz: Centro de Formación Iberocamericana – AECID (20:00); Centro Cultural San Isidro, Plan 3000 (19:00); Casa Municipal de Cultura, Montero (19:00).

Chuquisaca: Archivo y Bibliotecas Nacionales de Bolivia, Sucre (19:00); SIPAS TAMBO, Red de la Diversidad, Sucre (19:00).

Pando: Casa de la Cultura, Alcaldia Municipal de Cobija (19:00).

Beni: Universidad José Ballivián, Trinidad (19:00).

Oruro: Centro Cultural Muro Tambo, Séptimo Ojo (Aldana, Soria Galvarro y La Plata. Sobre el muro) (19:30)

Potosí: Colegio de Arquitectos de Potosí (18:30); Centro Municipal de la Alcaldía Municipal de Tupiza (19:00).

Tarija: CBA Centro Boliviano Americano (19:00).

El ingreso es libre en todas las salas.

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Último tren a Lhasa (crítica)

Claudio Sánchez

Último tren a Lhasa es una película que invita a pensar sobre una situación más allá de lo que se puede decir explícitamente dentro de la propuesta formal y su apuesta por documentar un viaje al corazón mismo del Tíbet. Como advertencia inicial el film nos dice: “Este documental muestra las impresiones recogidas por un grupo de 5 jóvenes españoles que viajaron en este tren” (de Beijing a Lhasa).

Como antecedentes podemos mencionar un contexto específico en el que se va desarrollar el rodaje (ilegal y a escondidas) del documental: es la época previa a las Olimpiadas de Beijing 2008, donde, más allá de lo deportivo, la atención se centró en cómo se abriría China a la presencia de tanta prensa internacional que se desplazó para cubrir la cita mundial. El verdadero juego político estaba centrado en qué mostrar al mundo. La gran polémica comenzó cuando el ya tradicional recorrido de la antorcha olímpica empezó, ya que se trataba de una acción que no estaba iluminada de la alegría internacional, sino de grupos de activistas pro-Tíbet que intentaban apagarla como una forma de protesta. Los tibetanos encontraban en estas manifestaciones la posibilidad de decir al mundo que algo no estaba bien en la China olímpica, la China comunista, aquel país de la economía mixta que es aún un enigma para occidente.

En la película vamos a acompañar al grupo de jóvenes en su recorrido por el tren más alto del mundo, pero a diferencia de una guía turística donde se pondera lo simpático sobre lo real, en el documental de Panadero vemos una realidad diferente, que sin embargo se mantiene como aquello que quieren mostrar los documentalistas, sesgando la mirada sobre lo que es de su interés. El trabajo infantil, el control chino sobre la población tanto nacional como extranjera, el conflicto interno que sostienen con el Tíbet hace más de 50 años, todo esto se presenta desde un punto de vista que parece no entender el contexto, ni tampoco a lo que en verdad se están enfrentando. Es muy fácil señalar con el dedo lo que está mal y hacer reflexiones sobre la realidad ajena, pero quién puede decir lo que está mal y lo que está bien, ¿es acaso el documentalista un ser que puede acusar? La ética de los realizadores es uno de los cuestionamientos que permanece cuando Último tren a Lhasa termina.

En el documental seguimos desde una cámara oculta algunas situaciones que impactan a los realizadores, y por las dificultades que ellos tienen para poder captar ciertas imágenes se va reduciendo el panorama, que es más pequeño de lo que imaginamos desde que empezamos a adentrarnos en la historia personal de los jóvenes españoles (estos exploradores de realidades diferentes), un equipo que carece de la seriedad periodística, pero que sin embargo desde su crónica muestran al Dalai Lama y otros personajes del exilio como las únicas víctimas de un conflicto interno que no se presenta como algo completo, sino más bien como un fragmento propagandístico.

Vuelvo a la figura del Dalai Lama, ese hombre que parece mítico, ese personaje al que enaltecen en el documental desde el Tíbet y también en Barcelona. Ese hombre es el mismo que se reunió un tiempo antes de las Olimpiadas en la Casa Blanca de Washington D.C. con el entonces presidente de los Estados Unidos George W. Busch, aquel cretino que impulsó la invasión a Irak que mata a tantos niños, a tantos hombres y mujeres, generando una guerra de la que aún los aliados no pueden salir y en la que aún no se logra el objetivo: de la victoria final. Ese hombre que quiere la paz para su pueblo le da la mano a quien nunca quiso la paz en el mundo, y eso no se lo dice en Último tren a Lhasa.

La invitación a adentrarnos en una realidad desconocida es una de las propuestas del documental, y ante esto poco se puede decir. El cine permite que en el espectador despierte la curiosidad por un mundo que está más allá de lo que conocemos y sabemos. Desde su origen, el séptimo arte ha utilizado al ferrocarril como un emblema del desarrollo y el descubrimiento de nuevos horizontes: con La llegada del tren de los hermanos Lumiere, la presencia del ferrocarril sorprendió al público en general, por eso resulta interesante la propuesta de viajar a través de las montañas para abrir los ojos a un mundo que parece estar perdido en algún remoto lugar.

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martes, 2 de noviembre de 2010

Martes de Cine Español: Crimen Ferpecto

Hoy comienza un nuevo ciclo de Martes de Cine Español, con la proyección de la comedia negra de Alex de la Iglesia, Crimen Ferpecto. El ciclo Amarillo está dedicado a un género que bajo distintos apelativos (de enredos, freaky) y épocas, ha estado siempre presente en la cinematografía española. Por feriado, el Centro AECID de Santa Cruz proyectará la película mañana miércoles 3.

En Crimen Ferpecto, nos acercamos a la historia de Rafael, un tipo seductor y ambicioso que trabaja en la sección de señoras de unos grandes almacenes y que aspira a convertirse en el Jefe de Planta, por sobre su principal rival, Don Antonio, el veterano encargado de la sección de caballeros. Por fatalidades del destino, Don Antonio muere accidentalmente tras una discusión acalorada. El único testigo del crimen es Lourdes, una dependienta horrorosa, naïf y obsesiva, que no duda en chantajear a Rafael para que se convierta en su amante, su marido y su esclavo.

Protagonizada por Guillermo Toledo y Mónica Cervera, la cinta hace un contrapunto entre la risa y el suspenso. "Siempre me han gustado las comedias de crímenes. Esas películas en las que los personajes cometen un asesinato y están obligados a ir de un lado para otro cargando con el cadáver. Me divierte ver cómo los protagonistas tratan de esconder el cuerpo. Cómo van perdiendo la cabeza. Cómo se engañan los unos a los otros. Son situaciones que provocan un tipo de humor negro muy especial. Es uno de mis géneros favoritos", afirma el director Alex de la Iglesia en la página oficial de Crimen Ferpecto.

Se trata de la séptima película del realizador bilbaíno, conocido por cintas como El día de la bestia (2005), ganadora de seis premios Goya, Perdita Durango (1997) y La Comunidad (2000), protagonizada por Carmen Maura. Su última película Balada triste de trompeta ha sido galardonada con dos premios en la 67ª Mostra de Venecia, al Mejor Guión y el León de Plata a la dirección.

El ciclo de noviembre continuará con la proyección de Smoking Room de Julio Wallovits y Roger Gual, Entre tinieblas de Pedro Almodóvar, La escopeta nacional de Luis García Berlanga y Mamá cumple 100 años de Carlos Saura.

¿Dónde y a qué hora se proyecta?

La Paz: Fundación Cinemateca Boliviana (19:45); Chasquipampa, Microcine Yaneramai (19:00); Escuela Municipal de El Alto (Ex Alcaldía Quemada), Ceja de El Alto (19:00); COMPA. Teatro Trono (19:00); Alcaldía Municipal de Coroico (19:00); Alcaldía Municipal de Viacha (19:00).

Cochabamba: Casa de la Cultura, Gobierno Municipal de Cochabamba (19:00).

Santa Cruz: Centro de Formación Iberocamericana – AECID (20:00); Centro Cultural San Isidro, Plan 3000 (19:00); Casa Municipal de Cultura, Montero (19:00).

Chuquisaca: Archivo y Bibliotecas Nacionales de Bolivia, Sucre (19:00); SIPAS TAMBO, Red de la Diversidad, Sucre (19:00).

Pando: Casa de la Cultura, Alcaldia Municipal de Cobija (19:00).

Beni: Universidad José Ballivián, Trinidad (19:00).

Oruro: Centro Cultural Muro Tambo, Séptimo Ojo (Aldana, Soria Galvarro y La Plata. Sobre el muro) (19:30)

Potosí: Colegio de Arquitectos de Potosí (18:30); Centro Municipal de la Alcaldía Municipal de
Tupiza (19:00).

Tarija: CBA Centro Boliviano Americano (19:00).

El ingreso es libre en todas las salas.

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lunes, 1 de noviembre de 2010

Crimen ferpecto (crítica)

Sergio Zapata

Rafael, el mejor vendedor de Yeyo´s, tiene un objetivo en la vida: no acumular bienes porque no están a su altura, no entablar relaciones porque no le son útiles, vivir enfocado en una meta, ser supervisor de la sección de ventas en el almacén descomunal donde trabaja. No conocemos su casa, ni su pasado: Alex de la Iglesia nos contiene mostrándonos todos los intersticios de un centro comercial gigante. Es en ese espacio que Rafael nos muestra su vida, en un relato en primera persona en el que nos presenta a sus colegas, con quienes desarrolla relaciones esporádicas cuando la tienda cierra durante la noche. Así mismo, somos testigos de los hábitos de consumo de los casuales compradores, quienes son el enemigo a conquistar por el implacable vendedor Rafael Sanchéz.

El universo perfecto de Rafael se verá trastocado por un crimen, producido tras una pelea con su supervisor don Antonio, quien morirá accidentalmente. Rafael, con un cadáver a cuestas, intenta deshacerse de él en el inmenso centro comercial. Ahí aparecerá Lourdes, colega suya, a quien ha estado evadiendo durante diez años porque no le resulta atractiva: ella se sitúa en las antípodas de lo que es o quiso ser Rafael.

Lourdes consumirá a Rafael con su mediocridad, con su normalidad: ella sueña con casarse, tener hijos, hacer amigas e introducir la ´moda payaso´. Y es ella quien desencadenará las alucinaciones que perseguirán a Rafael a lo largo del filme, compensando las transformaciones de ambos, uno a costa del otro. Mientras él ingresa a un modus vivendi normal, ella va incrementando su poder al interior del centro comercial.

Con abiertos homenajes al cine negro –esta comedia ácida de Alex de la Iglesia no logra desembarazarse del serie B, al que siempre homenajea el director español– el film supone una dulce critica a la sociedad contemporánea, ya sea desde el yupi superficial, las masas ávidas de consumo, la superficialidad como única posibilidad de ascenso social, la intriga y el chantaje como mecanismos eficientes de sobrevivencia social.

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martes, 26 de octubre de 2010

Martes de Cine Español: Tiro en la cabeza

La polémica cinta del director Jaime Rosales cerrará hoy el ciclo de octubre de los Martes de Cine Español. En Tiro en la cabeza, Rosales hace una recreación del atentado en Capbreton (Francia) del 1 de diciembre del 2007, en el que dos guardias civiles fueron asesinados por tres etarras.

El film narra la historia de Ion, un tipo aparentemente normal. Se levanta por la mañana, desayuna, arregla sus cosas, se reúne con unos abogados. Una noche en una fiesta conoce a una chica. Pasan la noche juntos en el apartamento de ella. Su vida transcurre sin sobresaltos. Una llamada en una cabina de teléfonos; un encuentro con un amigo; pequeñas situaciones cotidianas sin importancia. Un día se sube en un coche con otras dos personas. Cruzan la frontera a Francia. Pasan la noche en casa de un matrimonio. A la mañana siguiente, tras un encuentro fortuito en una cafetería de carretera, matan a dos guardias civiles vestidos de paisano.

Tiro en la cabeza levantó muchas polémicas en el público y la crítica internacionales, desde su presentación en el Festival de San Sebastián el 2008. "Yo partí con una idea bastante ingenua, porque creía que iba a cambiar la perspectiva sobre el problema y luego uno se da cuenta de que no se cambia nada, de que todo sigue igual. No pensé en las posibles consecuencias: ni a quién le iba a gustar, ni a quién no, ni qué podía pasarme a mí. Hay a quien Tiro en la cabeza le ha gustado por motivos estéticos, otros que la han detestado por esto mismo, algunos a los que les ha parecido muy bien por motivos éticos, y otros a los que les ha parecido deleznable por razones éticas. La palabra "polémica" se queda corta para definir la repercusión de la película", explicó el cineasta en una entrevista en el sitio Pasión por el Cine.es.

¿Dónde y a qué hora se proyecta?

Cochabamba: Casa de la Cultura, Gobierno Municipal de Cochabamba (19:00).

Santa Cruz: Centro de Formación Iberocamericana – AECID (20:00); Centro Cultural San Isidro, Plan 3000 (19:00); Casa Municipal de Cultura, Montero (19:00).

Chuquisaca: Archivo y Bibliotecas Nacionales de Bolivia, Sucre (19:00); SIPAS TAMBO, Red de la Diversidad, Sucre (19:00).

Pando: Casa de la Cultura, Alcaldia Municipal de Cobija (19:00).

Beni: Universidad José Ballivián, Trinidad (19:00).

Oruro: Centro Cultural Muro Tambo, Séptimo Ojo (Aldana, Soria Galvarro y La Plata. Sobre el muro) (19:30)

Potosí: Colegio de Arquitectos de Potosí (18:30); Centro Municipal de la Alcaldía Municipal de
Tupiza (19:00).

Tarija: CBA Centro Boliviano Americano (19:00).

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sábado, 23 de octubre de 2010

Tiro en la cabeza: un hecho cinematográfico (crítica)

Sebastián Morales

Hay filmes que se deberían ver en una sala de cine y no simplemente frente a un televisor, en un DVD. Son películas que, por la utilización de los silencios, las esperas y un particular uso de las imágenes, consolidan un lenguaje cinematográfico único, y por tanto deben ser vistas en las condiciones en las que estas películas han sido pensadas. Este hecho va más allá de la poco fructífera discusión entre las ventajas y desventajas que podría traer filmar en el celuloide o en digital, se trata de un lenguaje más que un formato, se trata de encontrar un placer especial en el film que tiene mucho que ver con el bello ritual que es entrar en una sala oscura a satisfacer el placer escopico. Este es el caso de la tercera (y en general de todas) la película de Jaime Rosales: Tiro en la cabeza.

Es fácil encontrar los elementos que hacen de la película de Rosales un hecho cinematográfico en sí y por tanto la justificación para verla en una sala de cine. La película es filmada con enormes teleobjetivos, que según el propio Rosales, son utilizados normalmente para capturar las imágenes de animales a larga distancia. Esta distancia no sólo está en el uso de la cámara, sino que también hay un alejamiento físico, que se nota en el hecho de que no podemos escuchar a los personajes, vemos labios moverse, pero no escuchamos, somos espías, entrometidos en la vida de un sujeto, que parece común y corriente. Nosotros estamos en el cine y solos ahí, y solos con este film, como ese personaje de Hitchcock en La ventana indiscreta, observamos, tramamos una historia que se nos presenta como muy ambigua, elucubramos sin realmente poder participar en el film, inmóviles, rodeados de oscuridad.

El hecho cinematográfico está tan presente en la película de Rosales, que se hace muy complicado hacer una sinopsis o una descripción que haga suficientemente justicia al film, porque se trata de traducir (lo cual siempre implica una traición) de un lenguaje a otro. Podría decir lo que ya se supone por el título, se trata de un acto de violencia, o más bien, como lo específica el propio director, de un atentado terrorista del grupo ETA en España. Pero el film, por su poder cinematográfico, logra que esa cosa que da la estructura a la película, su unidad, deje de ser lo más importante, dando paso a que el espectador se deleite con pequeños detalles que aparecen, alguna mirada cómplice ente los personajes o la particular forma de trabajar el sonido. Son justamente en estos detalles donde aparece la magia del cine.

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